Come il cinema aiuta la scrittura creativa

Il cinema è nato dopo la narrativa, come il fumetto, ma abbiamo già visto come una storia a fumetti possa aiutare la scrittura creativa. Ora facciamo lo stesso discorso per un film, anche se questo nasce prima come soggetto, come storia scritta, e poi come pellicola.

Ci sono alcuni elementi propri dei film che secondo me tornano utili nella scrittura:

1. le scene secondarie
2. i dialoghi
3. il piano sequenza
4. le storie personali
5. la suspense

Gestire le scene di raccordo

In molti film è pratica comune usare una tecnica per mostrare episodi necessari ma non fondamentali alla storia. Di cosa parlo? Provate a pensare a tutti quei film in cui cʼè un pugile o un combattente che si allena (non solo Rocky, ma anche Million Dollar Baby, se non ricordo male, come pure Real Steel). Anche nel film Il ragazzo dal kimono dʼoro cʼera la stessa tecnica, credo.

Ma la troviamo anche in altri film, quando ci sono lunghi e laboriosi preparativi per fare qualcosa – come costruire unʼarma (La preda, con Tommy Lee Jones e Benicio del Toro), una trappola o altro – o quando il personaggio deve compiere un lungo viaggio, specialmente a piedi.

Queste sono quelle che ho chiamato scene di raccordo, perché collegano due scene principali della storia. Non possiamo far vedere una mammoletta rachitica che nella scena successiva è tutta muscoli sul ring, così come sarebbe poco credibile che un robot scassato e arrugginito si ritrovi nella scena seguente lucente e funzionante.

Tutto quello che sta nel mezzo va mostrato agli spettatori, per evitare un salto temporale di giorni o perfino mesi, un salto che sottintende una graduale trasformazione di un personaggio, di un oggetto o lʼevolversi di un evento.

Che cosa usa il cinema – o, meglio, il regista – in questi casi?

• Pochi minuti di pellicola: non sono scene principali, quindi non bisogna tediare il pubblico sprecando metri di pellicola
• Poco spazio agli eventi delle scene: sono molto veloci, ricordate? Pochissimi fotogrammi dove tutto è ridotto allʼessenziale

Gestire le scene di raccordo in narrativa

Il cinema ci ha suggerito come fare.

• Pochi paragrafi o pagine: in funzione della lunghezza del romanzo, ma soprattutto di ciò che dobbiamo raccontare. Non serve dilungarsi su scene che sia noi sia i lettori sappiamo non essere importanti. Utili sì, ma non importanti. Non sono scene che possiamo evitare, ma dobbiamo liquidarle in poco spazio.
• Sintesi dei fatti: ridurre al minimo la narrazione. Se il nostro personaggio esce di casa, prende lʼautobus e entra in ufficio, non occorre descrivere ogni sua mossa come se un drone lo seguisse dallʼalto per tutto il percorso.

Colloquialità dei dialoghi

Non vedo più film italiani, lʼho detto varie volte, quelli odierni mi deprimono. Ma ho visto parecchi film dei grandi Totò, Fabrizi, Sordi, Tognazzi, che rivedo sempre volentieri. Se li avete visti anche voi – altrimenti vi siete persi il vero cinema italiano, secondo me – avrete notato come parlavano i personaggi.

Parlavano come noi. Totò in dialetto napoletano, Sordi e Fabrizi in quello romano, Franco Franchi e Ciccio Ingrassia in quello siciliano. Carlo Delle Piane parlava in romanesco, anzi.

Guardando, ora, quasi sempre film americani – anche se doppiati – noto più o meno la stessa cosa: lʼuso del gergo quando necessario. Ossia un avvicinamento al linguaggio colloquiale, anche di strada a volte, per dare maggiore realismo alla storia.

Non sempre, però, i dialoghi dei film possono essere presi come esempio per migliorare quelli in narrativa. Se mi fai parlare un bambino di 4 anni rispettando tutti i congiuntivi, hai qualche problema e io, spettatore, ne resto infastidito. Lo stesso discorso vale per il delinquente di strada senza istruzione e il contadino analfabeta.

Piano sequenza per creare coinvolgimento

Per chi non sapesse di cosa parlo, il piano sequenza è unʼinquadratura unica, senza stacco della cinepresa, una lunga scena girata senza interruzioni, quindi. Il primo a farne uso fu Orson Wells e lʼultimo film in cui è stata usata questa tecnica è Birdman – che a me non è piaciuto, ma sulla regia nulla da dire.

In un piano sequenza lo spettatore è costretto a concentrarsi sulla scena, proprio perché lʼassenza degli stacchi potrebbe causare distrazione, quindi perdita di immagini e porzioni di storia. Cʼè forse più partecipazione – e immersione, anche – perché il pubblico segue passo passo i personaggi.

Come creare una sorta di piano sequenza in narrativa?

Non credo sia cosa facile, ma di certo i continui cambi di scena o di punto di vista non creano molto coinvolgimento. Focalizzarsi su un personaggio, però, mantenerlo in azione senza mai staccare possono rendere più partecipe il lettore.

Riprodurre un piano sequenza con la scrittura vi sembra impossibile? Mostrare due persone che parlano non significa imitare un piano sequenza. Lo scrittore deve trovare altri stratagemmi, o avere particolari abilità, per dare la stessa sensazione di un piano sequenza al lettore.

Storie personali

Tutti i personaggi hanno un loro passato, che in qualche modo deve emergere nella storia. Ma prima di tutto non esiste storia se non esiste il passato dei personaggi. In Birdman quel passato è preponderante, tanto che diventa parte integrante della storia.

Ma ci sono altri film attuali in cui sono evidenti sia il passato sia le storie personali dei personaggi, come American Sniper, The Imitation Game, La teoria del tutto. Noi non vediamo soltanto il film, ma parallelamente conosciamo alcuni segreti dei personaggi.

Tutte queste storie personali vanno a creare quelle sottotrame che aiutano lo spettatore – e in narrativa il lettore – a immergersi con più trasporto nelle vicende narrate.

In ogni film non assistiamo soltanto alla storia principale, ma anche a tante storie parallele, sia del protagonista sia dei comprimari. Tutto questo arricchisce il film, come arricchisce il romanzo.

Suspense: come tenere uno spettatore in poltrona per due ore

Quando ho visto la prima volta Il favoloso mondo di Amélie, mi sono addormentato svariate volte in meno di venti minuti. Anche la colonna sonora, tremenda per le mie orecchie – eccetto Comptine dʼUn Autre Été, che invece adoro – ha giocato un ruolo determinante.

Ok, non è il mio genere. Non è colpa del film, quindi. Credo, almeno. Quello che voglio dire è che un film deve riuscire a tenere fermo uno spettatore per due ore. Quando leggiamo un libro, se ci annoia, lo chiudiamo. Ma al cinema quanti se ne vanno a film iniziato?

Gusti a parte, la suspense serve a tenere il lettore in tensione, a farlo smaniare per sapere come va a finire quella scena e quindi la storia. In un film questo, secondo me, è ancora più utile, proprio per la modalità in cui si fruisce della storia: seduti in una sala chiusa, gomito a gomito con sconosciuti, fermi al buio per due ore.

Devo dire che raramente mi sono annoiato al cinema, anche perché mi conosco bene e vado sul sicuro. Che ogni tanto sbagli mira ci può stare. Birdman, però, tanto per fare un esempio, non mi sono pentito dʼaverlo visto. A chi scrive narrativa è molto utile.

In un romanzo il discorso però è identico: dobbiamo riuscire a tenere il lettore fermo, chiuso in una stanza o dove gli pare, a leggere la nostra storia. Anzi, in un romanzo abbiamo una responsabilità maggiore, perché un libro cartaceo costa di più di un film al cinema (io pago 5-6 euro di media).

Conclusione

Quali altri elementi del cinema vi sembrano utili per la scrittura creativa? E che ne pensate di quelli elencati?