Come il fumetto aiuta la scrittura creativa

Tutto nasce dalla scrittura, ma la scrittura stessa può essere migliorata conoscendo altre forme di comunicazione. Il fumetto e il cinema sono legati, perché molto simili: nati più o meno nello stesso periodo e entrambi con un uso esclusivo di dialoghi e immagini.

Oggi ho voluto riassumere l’essenza del fumetto per capire come possa tornare utile per scrivere una storia. Perché anche il fumetto racconta e nei suoi limiti – l’assenza di un narratore che spieghi gli eventi – concentra l’intera sua forza.

Soggetto e sceneggiatura: progettare una storia

Negli anni in cui ho frequentato una scuola del fumetto ho provato a scrivere qualche breve sceneggiatura, inizialmente di una tavola autoconclusiva, poi di 4 e anche più. Due di queste sceneggiature divennero racconti qualche tempo fa, Il candidato e Senso inverso, un personaggio di serie B nato per una miniserie a fumetti di 4 tavole e mai concretizzato, alla fine.

Come si scrive un fumetto? Si parte da un’idea, come qualsiasi racconto e romanzo, poi si scrive il soggetto, cioè una trama abbastanza dettagliata. Il soggetto, quindi, viene trasformato in sceneggiatura.

Per 4 tavole il mio soggetto era di qualche riga, ma per una serie a fumetti che stavo progettando, che prevedeva numeri di 60 tavole, il soggetto che ho scritto per il primo numero era di 15.000 caratteri. Ora quel soggetto diventerà un romanzo, quando ovviamente mi deciderò a scriverlo.

La sceneggiatura a me piaceva molto, anche se è un tipo di scrittura tecnica. Ecco un esempio tratto da quel progetto:

Vigg. 1 e 2: unica striscia.

CM. Max e Danny si stanno avvicinando alla locanda, sulla destra, vista in prospettiva d’angolo. È un locale scalcinato. L’insegna, in legno marcito e pendente da un lato, porta la scritta “MERMAID” affiancata dalla figura di una sirena avvenente. Fuori del locale ci sono botti, casse e funi arrotolate. Appesi accanto all’entrata, uno per lato, 2 salvagenti.

Vigg. 3 e 4 su un’unica striscia.

Vig. 3: Sulla destra, in PP, un marinaio seduto a fumare. Sullo sfondo, a sinistra, i 2 ragazzi in FI, appena entrati. L’ambiente è pieno di fumo.

Max: “Cerchiamo un tavolo libero!”

Si fa uso di sigle per le inquadrature (CM= Campo Medio, PP= Primo Piano, FI=Figura Intera), si danno indicazioni su cosa disegnare e come posizionare i vari elementi nella vignetta, ecc. Io usavo un tipo di sceneggiatura ferrea, quindi dettagliavo tutto, ma molti si limitano a scrivere solo quale personaggio compare e dove.

Per inquadrare una scena in un romanzo possiamo usare le tecniche di sceneggiatura, i vari campi delle inquadrature, così come i dettagli che compongono la scena. Più volte ho detto che io immagino la scena come se la vedessi in un film, ma anche in fumetto: inquadro la mia scena, quindi, per poterla rappresentare meglio.

Scrivere una sceneggiatura significa sviluppare la storia a fumetti a partire da un soggetto. Alla stessa maniera possiamo imparare a sviluppare un romanzo a partire da una trama.

Riconoscibilità dei personaggi

Nel fumetto questo è essenziale. Non importa che nella vita reale possano esserci persone somiglianti, persone anonime, che ci cambiamo i vestiti, ecc. Nel fumetto Paperino e Tex devono vestire sempre allo stesso modo, altrimenti non saranno più riconoscibili. Nel fumetto l’immagine è quasi più importante delle parole, ma soltanto per un motivo di memorizzazione.

Quando si deve disegnare un personaggio in silhouette, ossia la forma del personaggio completamente nera, non si può scegliere qualsiasi posa, ma soltanto quella che renderà riconoscibile quel personaggio.

Riusciamo a fare lo stesso coi personaggi delle nostre storie? Quando li facciamo parlare, il lettore saprà chi sono anche se non aggiungiamo “disse Caio”? Le loro azioni, i loro comportamenti sono sempre riconoscibili nella storia?

Se imparassimo a caratterizzare i personaggi come vengono caratterizzati nel fumetto, le nostre storie ci guadagnerebbero.

Forza delle scene

Ho accennato prima alle inquadrature. Nel fumetto sono molto importanti, perché danno anche un certo ritmo alla storia. Come si scelgono le inquadrature? Lo sceneggiatore deve fare uno schizzo delle tavole, anche se non sa disegnare. Soltanto in questo modo potrà creare una storia che funziona.

Un esempio di lavoro maniacale: l’ultima vignetta di una striscia della pagina pari non può avere la stessa inquadratura della prima vignetta che le corrisponde nella pagina dispari, perché all’occhio del lettore appaiono consecutive, anche se non lo sono cronologicamente, e suona come una ripetizione.

Un secondo esempio di lavoro maniacale: se un personaggio corre verso sinistra, sta fuggendo, uscendo di scena. Questa è la sensazione, perché per l’occhio sta uscendo dall’albo.

Questo per dire che il lavoro di costruzione delle scene è un lavoraccio, nel fumetto come in un romanzo, anche se in quest’ultimo non abbiamo immagini reali, ma dobbiamo evocarle. Però le inquadrature possono essere riprodotte, in un certo senso, dando spessore a certi dettagli piuttosto che a altri.

Dialoghi

Immagini e dialoghi: ecco il fumetto. Le parti narrate sono – e dovrebbero essere – ridotte all’osso. Poche, misurate didascalie per mostrare l’avanzare del tempo, il cambio di scena, ecc. Ma il resto sono soltanto dialoghi.

E dai dialoghi del fumetto possiamo imparare molto. Soprattutto il minimalismo, anche se in un romanzo non è sempre necessario. Però spesso sì, spesso dobbiamo scrivere dialoghi brevi, incisivi. Nel fumetto sono i dialoghi a raccontare la storia. Il narratore viene sostituito dai personaggi stessi.

Ecco la chiave: uscire di scena e lasciare il posto di narratori ai nostri personaggi. Sarà possibile?

Avete presente Martin Mystère? È un fumetto logorroico. Tantissimi anni fa, quando era nato da poco, acquistai il numero 11 – che ho ancora – e parecchio tempo fa ho provato a leggere altri due numeri, ma mi hanno stufato proprio per la prolissità dei dialoghi.

Quindi: in un romanzo possiamo concederci la libertà di scrivere un dialogo molto lungo – ne ho letti alcuni che duravano due pagine e parlo dello stesso personaggio – perché può essere utile e, se ben scritto, si lascia leggere con facilità. Ma in un fumetto, secondo me, i dialoghi più sono brevi e più funzionano.

Consecutio temporum

Come passare da una scena all’altra? Nel fumetto ci sono diversi espedienti, per esempio inserire il cambio di scena quando il lettore volta pagina. In quel modo c’è anche una sorta di fattore psicologico che entra in gioco: voltiamo pagina, lasciamoci il passato alle spalle.

Oppure ci sono le didascalie accennate prima: i classici “Nel frattempo”, “A due miglia di distanza…”, ecc. Ma mai nella stessa striscia, perché un cambio di scena ha bisogno sia di uno stacco netto sia allo stesso tempo di un elemento di raccordo che dia una certa continuità.

E in un romanzo come creiamo stacchi e raccordi? A parte passare a un nuovo capitolo, in alcuni casi si lascia uno spazio vuoto, un paragrafo senza testo, quindi, magari con un asterisco per decorare. Questo quando lo stacco è forte, evidente.

Altrimenti è con le parole che dobbiamo inserire cambi di scena e raccordi. Raccontare di un uomo che si veste e esce di casa: anche questo è un cambio di scena e va descritto senza annoiare, anche se è un passo noioso da scrivere.

Cosa non imparare dal fumetto: la fine scontata

Qualcuno non apprezzerà, dicendo: e se voglio creare una serie di romanzi sulle avventure di un personaggio? Guardiamo Tarzan, ma anche Sherlock Holmes, o i più odierni Harp e Leonard di Lansdale. Queste sono storie che devono avere una fine scontata. Si tratta di racconti e romanzi seriali, in cui il lettore sa che il protagonista non morirà mai.

Ma in un romanzo autoconclusivo non possiamo pensare a una fine prevedibile.

Che cosa pensate di questo avvicinamento della scrittura creativa al fumetto? Credete possa essere utile a migliorare una storia?